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Der Frontmann der Band Revolverheld ist derzeit auf Solo-Tour unterwegs. Seine Songs sind anders als die seiner Band und doch werden Fan-Herzen höher schlagen. Die Stücke von Johannes Strate sind etwas erwachsener als die seiner Band. Das liegt an der verschiedenen Ausrichtung der Musik. In seiner Band liebt es der 32-Jährige rockige Hymnen zu schreiben, die zum Mitsingen und Tanzen einladen. Stücke wie „Ich werde nie erwachsen“ oder „Generation Rock“ sind ganz anders als seine Solo-Projekte. Johannes Strate sagt selbst, dass er schon immer eine Leidenschaft hatte für das Singer/Songwriting. Bei seinen Solo-Projekten lebt er diese Ader voll aus und tut nebenbei noch Gutes.

Er nutzt seinen Bekanntheitsgrad den er mittlerweile erreicht hat, um junge Nachwuchskünstler zu unterstützen. Denn er hat selbst niemals vergessen, wie er einst als Fan bis nach Holland gereist ist um sein Idol Jonatha Brooke live zu erleben. Nun engagiert er sich in Projekten wie „Feels Like Home“. Außerdem stellt er Greg Holden Raum zur Verfügung um ihn zu pushen. Der New Yorker ist ein langjähriger Freund des Sänger und er lässt ihn allein das Vorprogramm zu seinen Konzerten bestreiten.

Bei seinem Auftritt gibt es eine Mischung aus eigenen Songs und Revolverheld-Balladen wie „Halt dich fest an mir“ oder auch „Ich werd die Welt verändern“. Das ganze Programm ist wesentlich ruhiger gestaltet, dass das der Band Revolverheld und dennoch findet es hohen Anklang bei dem Publikum, dass hauptsächlich aus jungen Mädchen besteht. Auch der Song den er zusammen mit seinem Vater Eckhard performt, wird bejubelt und die Massen können bei „An Rosalinde“ mitsingen. Denn die meisten von ihnen wuchsen in der Region zusammen mit den Liedern von Margarete und Wolfgang Jehn auf.

Johannes Strate ist mit Fug und Recht Musiker aus ganzem Herzen und seine Musik geht unter die Haut. Die Soloauftritte von ihm sind bemerkenswert, schafft er es doch eine erwachsene Seite von sich zu zeigen, die einen Rückblick auf die eigene Vergangenheit ausübt. So werden in den Songs Themen seiner eigenen Herkunft und Kindheit thematisiert.

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Ein französischer Historiker hat eine Aufnahme von “Lili Marleen” entdeckt, die schon lange in Vergessenheit geraten war. Laut dem französischen Magazin “Le Point” hat Jean-Pierre Guéno die Aufnahme entdeckt, als er Recherchen für sein Buch “Lili Marleen, l’incroyable histoire de la plus belle chanson d’amour” angestellt hat. Diese nun zum Vorschein gekommene Version des Songs war bislang unveröffentlicht. Hierbei hat nicht Norbert Schultze (wie bei dem weltberühmten Hit), sondern Rudolf Zink die Melodie komponiert. Zink, der Geliebte der Sängerin von “Lili Marleen”, Lale Andersen, hatte 1937 das Gedicht von Hans Leip entdeckt, dass dem Lied für Text und Titel Modell stand. Darauf hat er die Melodie geschrieben. 1939 wurde das Lied schließlich von Lale Andersen eingesungen und aufgenommen. Man kann sich diese ursprüngliche Version auf der Internetseite von “Le Point” anhören. Sie ist viel melancholischer und wehmütiger als die Fassung, die später veröffentlicht wurde und große Berühmtheit erlangte. Der Hit, den Schultze komponierte, ist viel lebendiger und peppiger. 

“Wäre es nicht amüsant, wenn nach all dem Theater und dem ‘Sieg-Heil”-Geschrei, nach all der Marschiererei und Indoktrination, der einzige Nazi-Beitrag für die Welt ‘Lili Marleen’ gewesen sein soll?”, fragte einst John Steinbeck. Tatsächlich wurde das Lied (in der Schultze-Version) 1941 zum ersten Mal im deutschen Wehrmachtsradio gespielt und erfreute sich sofort großer Beliebtheit bei den Soldaten. Der Leiter des Senders in Belgrad hatte die Idee, das Lied zu spielen. Dann haben es auch andere Sender übernommen.  Schon bald schallte es bis zu 30 Mal am Tag aus den Radios der Landser, die Lale Andersen ungefähr eine Million Briefe geschrieben haben. 

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ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ – das ist der etwas umständliche Titel des neuen Albums von der Berliner Band ‘Die Türen’. Aber er vereint Dadaismus, Humor, Zweifel und Unentschlossenheit in einem und ist damit einer der geschicktesten seit Langem. Dem Album liegen Klebebuchstaben bei, damit die Rezipienten selbst Hand anlegen und sich einen eigenen Titel designen können. Ähnlich wie schon Barthes, der mit seinem Spruch ‘Der Autor ist tot’ dem Publikum eine neue Rolle zusprach, gibt auch die Band Die Türen für einen kurzen Augenblick das Ruder aus der Hand. Geschickter Schachzug, Marketing oder ernstgemeinte Kunstkritik?

Die damals dreiköpfige Band, aus der nordrhein-westfälischen Provinz kommend, gründete sich im Jahr 2002. Die drei Freunde wollten Musik machen, und da sie von keinem Label genommen wurden, gründeten sie gleich selbst eins mit dem Namen Staatsakt. Das existiert heute noch und hat unter anderem erfolgreiche Künstler wie den Berliner Bonaparte oder die österreichische Band Ja,Panik unter Vertrag. Sie sind also durchaus erfolgreich, die drei und inzwischen hängt Geld an dem Projekt, sowohl an der band als auch an dem Label. Das wird von ihnen mit gemischten Gefühlen aufgenommen. Erfolg kann nämlich auch scheitern sein, jedenfalls dann, wenn man die Revolutionsgedanken und die Hoffnung auf eine bessere Welt im Laufe der Zeit immer mehr nach hinten schiebt und schließlich zugunsten von Büroarbeit, Geld und Altersvorsorge fallen lässt.

Doch das soll kein Vorwurf sein, und der Musik von den Türen hört man die neue Konformität nicht an. Die Band ist inzwischen fünf-köpfig, dazugekommen ist Andreas Spechtl, umtriebiges Mitglied von Ja,Panik, der auch schon Christiane Rösinger bei ihrem Soloalbum unterstützt hat, und Michael Mühlhaus, Ex-Blumfeld-Keyboarder, der dem ABC-Album einen gnadenlosen Beat unterlegt. Die Songtexte bewegen sich in ihrer Kryptik irgendwo zwischen Twiitermeldungen, Feuilletontiteln und Dada-Fragmenten. Das Album ist im Februar auf dem Label Staatsakt erschienen, und wer Spaß an pfiffiger Unterhaltung hat, die sowohl ein Stirnrunzeln als auch schelmisches Lächeln zulässt, sollte sich einen der Auftritte der Band nicht entgehen lassen.

Greenwich Village © Thierry GUIMBERT - Fotolia.com

New York, die Stadt, die niemals schläft, ist immer eine Reise wert. Der Big Apple ist voll mit Sehenswürdigkeiten und Kultur. Der Stadtteil Brooklyn, in dem sich auch der Bezirk Greenwich Village befindet, ist schon seit den 1960er Jahren der Anlaufpunkt für Musiker. Damals spielten in den unzähligen Open Mic Veranstaltungen Künstler wie Joan Baez, Woody Guthrie und Bob Dylan und formten damit die politische Folkbewegung in Amerika.

Auch heute noch ist Brooklyn Anlaufpunkt für eine bunte Independent-Szene, und jedes Jahr im September wird das Venue Littlefield in Gowanus, Brooklyn zum Austragungsort des dreitägigen Brooklyn Indie Music Fest. Grund genug also, die Koffer zu packen und New York einen Besuch abzustatten. Geeignete Hoteltipps und Unterkünfte, insbesondere solche mit günstigen Zimmerpreisen, bieten vor allem die großen Stadtmagazine New Yorks.

Das Festival wurde von den Veranstaltern ins Leben gerufen, um die lebendige Musikszene New Yorks zusammen zu bringen. Sie ist Bühne für die zahlreichen talentierten Musiker, und sie will diese zusammen bringen. In Zeiten, in denen die großen Labels nur noch massentaugliche Popmusik vermarkten und daraus ein glitzerndes und lukratives Geschäft machen, will das Brooklyn Independent Music Festivals den kleinen, unabhängigen Bands eine Chance geben, ihre Musik zu präsentieren und Zuhörer zu Fans werden zu lassen.

Zu dem Festival gehören neben den drei Tagen Konzerten, die nur an einem Ort stattfinden, auch Diskussionsrunden, Panels und Workshops. Anders als bei großen Festivals gibt es keine großen Stars, die als Headliner die Menschen anziehen sollen, sondern nur lokale Bands. Die stilistische Bandbreite reicht dabei von Folk über Indie-Pop, Funk und Rock. Das Festival dürfte mit seinen vielen verschiedenen Künstlern für jeden Musikgeschmack das passende auf Lager haben und ist definitiv einen Besuch wert.

Kanye West Style © Alessandro Agostini - Fotolia.com

Es schien eine Zeit lang ruhig um den Rapper Kanye West geworden zu sein. Der in Chicago geborene Sänger und Produzent wollte mehr als nur Rap-Star zu sein und Platten produzieren. Für die Mode-Marken Nike und Louis Vuitton entwarf West beispielsweise Sneakers und andere Mode-Accessoires. Dennoch ist und bleibt die Musik sein größte Leidenschaft und so zog es den 34-Jährigen zwei Jahre nach seinem Album “808s & Heartbreak” wieder ins Musikstudio und brachte im November 2010 sein neues Soloalbum “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” auf den Markt, dass von alle Seiten jede Menge Lob einheimsen konnte und als mittlerweile viertes Album in Folge gleich auf Platz eins der US-Charts einstieg. Knapp ein Jahr später bildete er mit Rap-Star Jay-Z das wohl beste Rap-Duo “The Throne” und produzierte das gemeinsame Album “Watch the Throne”, das – wie sollte es auch anders sein – sofort wieder die Charts stürmte und in den USA wieder auf Platz eins landete.

Bei den diesjährigen Grammy Awards gab es dann auch den verdienten Lohn für sein Arbeit. Gleich vier der begehrten Awards konnte der umtriebige Rapper mit nach Hause nehmen. In der Kategorie “beste Rap-Darbietung” gewann er den Preis gemeinsam mit Jay-Z für “Otis”. Den Award für “Beste Zusammenarbeit – Rap/Gesang” ging ebenfalls an West, der gemeinsam mit Rihanna, Kid Cudi und Fergie den Preis für “All of the Lights” bekam. Einen weiteren Grammy konnte Die Hip Hop-Größe in der Kategorie “bester Rap-Song” für den Titel “All of the Lights” abräumen. Und auch der Preis für das “beste Rap-Album” konnte der Wahrscheinlichkeit nach, nur an Kaney West gehen, der gleich zwei Mal nominiert war. Am Ende machte sein Solo-Album “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” das Rennen und brachte Wets den nunmehr achtzehnten Grammy ein.

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Das Mädchen mit der perfekten Hollywoodfrisur macht Musik, die eigentlich etwas zu groß für einen gewöhnlichen Popsong ist. Einem Trailerpark entflohen gibt sie Biografie gepaart mit Fiktion preis. Sie teilt dunkle Geheimnisse in ihren Songs und gibt Einblicke in Todesahnung und Verzweiflung. Gleichzeitig schafft sie jedoch spielend leicht den Wechsel zwischen Melancholie und Glamour. In ihrem Song “Video Games” gab sie das Debüt, mittlerweile wird sie überall gefeiert.

Der Hype um sie brach schon vor Monaten aus. Das Video “Video Games” verbreitete sich rasend schnell über die Social Networks und Blogs. Lange bevor ein Album rauskam, landete sie bereits auf den Titelseiten der Zeitschriften. Doch umso öfter ihr Song “Video Games” oder auch “Blue Jeans” auf Youtube geschaut wurde, desto mehr verlor sie an Attraktivität. Es schien bald, als ob Lana del Rey noch vor Veröffentlichung ihres Albums in der Versenkung verschwinden könnte.

Nun ist das Album da. Es ist eine gute Popplatte geworden. Zusammen mit dem Sound und dem Text hält das Album bei den derzeitgen Mainstreamproduktionen mit. Lana del Rey wird zum Normalmaß. Gerade jetzt als rauskam, dass die mit bürgerlichem Namen heißende Lizzy Grant bereits vor ein paar Jahren ein Album rausbrachte, welches ihre Plattenfirma nun aus dem Verkehr gezogen hat, werden Stimmen lauter, dass Lana del Rey nur eine Inszenierung ist. Kritiker werfen ihr auch Stereotypensexismus vor, da sie Babydoll- Fantasien von einigen befriedige und ansonsten das Weibchenprinzip der Prä-68er übernehme.

Die Meinungen gehen über Lana del Rey auseinander. Marketingcoup oder self-made-Künstlerin? Auf jeden Fall hat sie durch die unlängst veröffentlichten Details um ihre Herkunft und Vergangenheit an Authentizität einbüßen müssen. Es bleibt abzuwarten ob es schon bald wieder ruhig um sie wird oder sie am Ende doch noch einen Treffer landet.

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Bevor ich das Album geschenkt bekam, kannte ich die Band nicht, obwohl sie da bereits schon einige Erfolge gefeiert hatte. Eine gut besuchte Konzerttournee war das Ergebnis eines Auftrittes bei Inas Nacht. Das erste Album “Wer bist du?” muss man kennen lernen. Es ist ein Album, dass Aufmerksamkeit braucht, Musik der man zuhören muss, die nicht nur als Geräuschkulisse dient um vom Alleinsein abzulenken. Die Texte sind tief und hinterlassen eine nachdenkliche Stimmung beim Zuhörer. Gleichzeitig vermitteln sie einem eine gewissen Leichtigkeit. Diese Mischung macht die Musik so prickelnd und interessant. Die deutsche Sprache erlebt ja gerade wieder eine  Aufschwung. Die neuen Deutschpoeten, wie “Philip Poisel”, “Clueso” oder auch “Wir sind Helden” können sich über Zuwachs freuen, denn Alin Coen leistet mit ihrer Band einen wertvollen Beitrag zu diesem Revival.

Die Konzerte wurden umjubelt und in der Presse heiß gelobt. “zum niedersinken schön”, schreibt zum Beipsiel die “Frankfurter Neue Presse” oder schlichtweg “umwerfend”, wie die “Leipziger Volkszeitung” schreibt. Die Band reisst den Zuhörer mit. Viel Gefühl, Tiefsinn und Poesie liegen in der Musik der 4-köpfigen Band, nach deren Frontfrau sie benannt sind. Alin Coen ist Weltenbummlerin. Reiste bereits nach Australien, Kanada, Indien und landete mit 19 Jahren in Schweden, wo sie ihre Leidenschaft für Gitarre und Komposition an einer offenen Bühne entdeckte.

2003 dann der Umzug nach Weimar um Umweltetchnik zu studieren. Sie lernet ihre zukünftigen Bandkollegen Jan Frisch, Fabian Stevens und Philip Martin kennen. 2007 war es dann so weit, die Alin Coen Band wurde gegründet.

Auch das Label haben sie gleich mitgegründet (“Pflanz einen Baum“) und darüber 2010 ihr erstes Album veröffentlicht.

Frontfrau Coen begeistert mit ihrer charmanten Stimme und die eingängigen Melodien bleiben schnell im Ohr. September 2011 war es dann endlich so weit, die EP “Einer will immer mehr” wurde veröffentlicht. 7 Songs, deren intelligente Texte ganz schnell bei mehr als einem Lust auf mehr machen.

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Sein dritter Longplayer steht seit ein paar Tagen in den Plattenläden, sein Name ist jedermann ein Begriff und dennoch vermeidet er jeden Rummel und Starallüren: Peter Licht heißt der Hamburger Sänger und Rapper, der mal launisch, mal ganz romantisch und mal sehr emotional dichtet. Anstatt sich selbst in den Mittelpunkt seiner Musikvideos zu stellen, versteckt er sich lieber hinter Bettlaken oder lässt sich von Bürostühlen doublen.

Bislang gab es nur ein paar verwischte Aufnahmen des Sängers, die im Internet kursierten. Auch beim kürzlichen Auftritt in der Harald Schmidt Show nahm man Rücksicht auf seine Vorliebe fürs Private: Nur bis zum Kinn bekam man Peter Licht zu Gesicht, in einem undeutlichen Halbdunkel übrigens.

Hinter solchen Aktionen könnte man eine ausgeklügelte Marketing-Taktik vermuten: Das genaue Gegenteil des Exhibitionsimus der Popsternchen eben. Doch Peter Licht sieht das anders: Er verkündete kürzlich in einem Interview, es sei doch furchtbar, so viel über einen Musiker zu wissen. Es geht ihm um seine Lieder und die Botschaften darin, die nur auf dem ersten Blick nach seichtem Pop anmuten. Schon als es 2001 mit dem ersten Hit “Sonnendeck” losging, warnte Peter Licht, “Meide die Popkultur!”. Nach dem Album “14 Lieder” folgten die “Stratosphärenlieder” und nun eben sein dritter Longplayer “Lieder vom Ende des Kapitalismus”. Auch dieses Album überzeugt: Hübsche Klangtüfteleien treffen auf poetische Texte, die nicht so furchtbar deutsch und verkopft sind wie die der ähnlich bekannten Deutsch-Rocker “Tocotronic”, “Blumfeld” oder den “Sternen”. Auch ein Buch ist unter dem Titel “Wir werden siegen!” erschienen, das gleichnamige Theaterstück läuft an den Münchener Kammerspielen an. Mehr von solchen Pop Ausnahme-Talenten!

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In einer Metropole wie Berlin gibt es eine Vielzahl talentierter junger Musiker und Kreativschaffender, die zur Entfaltung ihrer Kunst geeignete Räume brauchen. Da es im Zuge der Wohnungs- und Raumknappheit immer schwieriger geworden ist an Proberäume zu kommen, soll im Folgenden aufgezeigt werden, wie man nicht genutzten Raum in beispielsweise Industriegebieten gekonnt umfunktionieren kann.

Ein glänzendes Beispiel für dieses Vorgehen ist das Berliner “ORWOhaus“, dass getrost als eines der größten Musikhäusern  Europas bezeichnet werden kann. Das Haus ist das Gebäude des damaligen ostdeutschen Film-, Tonband- und Kassettenherstellers “ORWO” (Original Wolfen) war. Heute bietet es Platz für über 200 Bands. 

Mitten im Industriegebiet an der Landsberger Allee sieht dieses triste Haus von Außen so gar nicht musikalisch aus. In unmittelbarer Nähe zu den Plattenbauten Mahrzahns kümmert sich ein ehrenamtliches Team um die Organisation und die Vermietung der Räumlichkeiten. Regelmäßig werden hier auch Konzerte abgehalten und es gibt ein jährliches Festival, auf dem die vielen Bands ihre neuesten Songs präsentieren. 

Bereits 1998 haben sich auf dem Gelände die ersten Bands angesiedelt und sahen sich damals noch ungeregelten Mietverhältnissen ausgeliefert, da zu diesem Zeitpunkt die Zukunft des Gebäudes noch unsicher war. Als der ehemalige Eigentümer 2004 alle Mietverträge auflösen wollte, gründete sich der ORWOhaus e.V., dem es gelang das komplette Grundstück aufzukaufen, um dieses einzigartige Kulturprojekt auf rechlich gesicherter Basis erhalten zu können. 

Das Haus beherbergt neben Proberäumen auch Tonstudios und auch Konzerthallen sind mittlerweile in Planung.  Doch nicht nur in Berlin in ganz Deutschland entstehen derartige Projekte. Für Proberaumsuchende deshalb der Tip: Einfach hier weiterklicken. 

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David Garrett ist vielen Menschen ein Begriff, doch wer kennt ihn eigentlich wirklich? Was weiß man über den grandiosen Musiker? Er ist ein Ausnahmetalent, der Pop mit Klassik zum einem Gedicht kombinieren kann und er sieht unverschämt gut aus. Aus den Medien weiß man, dass er noch solo ist und auch wenn nicht auf der Suche, eine glückliche Zukunft sieht er gemeinsam mit einer Partnerin entgegen. 

Der 31 jährige Virtuose hat vor wenigen Wochen ein neues Album veröffentlicht. Diesmal ist es kein Pop meets Klassik.

“Legacy” ist eine Klassikplatte geworden. Doch er muss sich keine Sorgen machen, dass ihm die Fans aus dem Popbereich weglaufen. Es ist unglaublich, aber die, die im Grunde genommen mit Klassik nichts anfangen können, hören es nun, und das wegen David Garrett. Er vermag es beide Genres und Menschen mit unterschiedlichen Geschmäckern zu vereinen. Sein Album ist nun von Null auf Hundert, direkt auf Platz 6 der Media Controll Charts eingestiegen. Seit 1962 ist kein Klassikalbum mehr so gut angekommen.

Doch nicht nur Frauen erkennen seine Musik. In Musikerkreisen wird er wie kaum ein anderer geschätzt. Sein Können und seine Wandlungsfähigkeit ist grandios. Sieht man ihn auf der Bühne, ist er hochkonzentriert und trotzdem greifbar. Er sieht sich von seinem Publikum nicht zurück. Das ist womöglich einer der Gründe, weshalb er so einen Erfolg feiert. 

In Interviews zeigt er sein unkompliziertes Wesen und erzählt unverblümt von seiner Kindheit und Jugend. Er gibt offen zu, dass er von seinen Mitschülern und auch den Schülerinnen ignoriert worden ist. Sie hätten nie großes Interesse für ihn gehabt. Bestimmt lag das auch daran, dass David schon früh viel unterwegs gewesen ist. In diesen Zeiten erhielt er Privatunterricht. Eine Zeit, in der sich sein Ruhm noch nicht abgezeichnet hatte. Einen Plan B gab es jedoch nie – der einzige und wahre Weg für David ist immer nur die Musik gewesen.